千歳船橋ディストラクション

岡田卓也展

OKADA Takuya Exhibition

展示会期｜2010年2月15日 [月]―27日[土]　日曜休
開場時間｜11:30a.m.―6:30p.m.[土曜日5:30p.m.]
会場｜ギャラリーなつか


絵の具をトレースする感覚は、画像をトレースする感覚よりも驚きに満ちている。
絵の具は支持体をトレースし、タッチは身体をトレースする。
それらトレースされた痕跡は、新たに発見される「細部」として私たちの前に現れる。

西田哲学館での個展に寄せて

１．
　西田幾多郎『善の研究』の序にこうある。
「個人あって経験あるにあらず、経験あって個人あるのである」
　個人的区別より経験が根本的であるとするこの考えは、純粋経験から物事を思考しようとする西田哲学の根本である。また、第一章冒頭にはこうある。
「経験するというのは事実其儘に知るの意である。全く自己の細工を棄てて、事実に従うて知るのである。（…）たとえば、色を見、音を聞く刹那、未だこれが外物の作用であるとか、我がこれを感じているとかいうような考のないのみならず、この色、この音は何であるという判断すら加わらない前をいうのである。」
　純粋経験の立場から言えば、事前の了解というものは何の意味も成さない。絵画で言えば、これは何々を描いたものであるとか、作者の心情であるとか、タイトルとかいうものは、その経験の前には無力だ。現代絵画の父であるフランク・ステラはこう言った。
「What you see is what you see（あなたの見ているものが、すなわちあなたの見ているものである）」

２．
　思えば初めて西田哲学館に足を運んだのは、2003年の夏、福井県・美浜美術展で大賞を受賞した時のことだった。本個展の始めを飾る作品でもある。今回約７年ぶりに西田哲学館の常設展示を観覧したが、１階展示室突き当たりに突然現れたハイデガーの写真に驚かされた。説明によれば、かほく市と姉妹都市を結んでいるドイツ・メスキルヒ市がハイデガーの生誕地とのこと。
　私は大学時代、現象学を通じて絵画に対する思考を深めていった。見ることから始め、その能動的な行為から作品を捉え直すことが私の研究主題だった。西田博士の言を借りれば、「経験あって絵画あるのである」。マルティン・ハイデガー『存在と時間』は、そんな時に出会った哲学書の一つだ。
ハイデガーは、本質存在に対して現実存在の優位を説く「実存主義」を提唱した哲学者であり、フッサールを師に持つ。ハイデガーの「実存主義」とは、経験を通して絶えず刷新される生を描いたものだった。ハイデガーは人間のことを「現存在（ダーザイン）と呼ぶ。「存在作用（ザイン）」の「場（ダー）」こそが人間であるとする考えは、個人的区別より経験が根本的であるとする西田哲学に共通している。ここかほく市に生まれ、金沢で教鞭を執りながら、この日本で西洋現象学に通ずる観念を発想した西田博士を思うと、身の引き締まる思いである。

３．
　故郷かほく市を縁に、「偶然に」遭遇した西田哲学とハイデガーとの出会いは、私をかつての研究主題に立ち戻らせてくれた。かほく市立志式での記念講演に合わせて、これまた「偶然に」決まった本個展ではあったが、2003年からの自分の仕事を振り返り、改めて原点を確認できた貴重な経験となった。ここを新たなスタートの場としていきたい。

石川県西田幾多郎記念哲学館

岡田卓也展
会期：2010年 1月31日［日］－ 2月6日［土］
　　　　（1月31日［ 日］ は作家在館 2月1日［月］は休館）
開館時間：9;00－17:30
入館料：無料（展示棟観覧には観覧料 一般500円が必要です）
会場：石川県西田幾多郎記念哲学館
　　　　〒929-1126 石川県かほく市内日角井１
　　　　Tel:076-283-6600　Web: http://www.nishidatetsugakukan.org/
後援＝かほく市、かほく市教育委員会、北國新聞社

かほく市は『善の研究』で知られる哲学者 西田幾多郎の生誕地。「石川県西田幾多郎記念哲学館」は、西田博士の業績やゆかりの品を紹介しながら、哲学を身近にわかりやすく「学ぶ」だけでなく「思索体験」も楽しめる施設です。
建築設計は建築家 安藤忠雄。「考えること」をテーマに設計された哲学館には、空が四角に切られた「空（くう）の庭」 など、随所に思索の空間が設けられています。今回の展示は、コンクリートで作られた円形の空間「ホワイエ」を中心に行われます。

岡田卓也（おかだたくや）
1980年　石川県河北郡高松町生まれ（現かほく市高松）
1996年　高松町立高松中学校卒業（現かほく市立高松中学校）
1999年　石川県立金沢桜丘高校卒業
2003年　筑波大学芸術専門学群卒業
2005年　筑波大学大学院修士過程芸術研究科修了
2003-2006年　四谷アート・ステュディウム在籍
個展
2004　「Spiritual Exercise展」（Gallery Objective Correlative、東京）
2005　「Functional Chain」（Gallery Objective Correlative、東京）
2006　ギャラリーなつかb.p（東京）
2008　ギャラリーなつか（東京）
2010　石川県西田幾多郎記念哲学館（石川）
　　　　ギャラリーなつか（東京）
グループ展
2003　「岡田卓也・白松祥子・三室恵 展」（Artギャラリーつくば、茨城）
　　　　「第17回美浜美術展」（福井県立美術館、福井）
　　　　「ANTINOMIE展」（Gallery Objective Correlative、東京）
2004　「details=FRAME展」（Gallery Objective Correlative、東京）
2009　「ターナー色彩 GOLDEN COMPETITION ’09入選作品展」（O美術館、東京）
受賞
2003　「第17回美浜美術展」大賞
2009　「ターナー色彩 GOLDEN COMPETITION ‘09」U35賞
所蔵
筑波大学東京キャンパス
掲載
北國新聞（2003年9月3日朝刊、2008年3月5日朝刊）
筑波大学新聞（第233号2003年11月17日、第280号2009年10月5日）

交通アクセス
車利用：北陸自動車道［金沢東IC］－国道159号（20分）
　　　　　能登有料道路［白尾IC］－（5分）
JR利用：七尾線・金沢駅－宇野気駅（25分）
宇野気駅から徒歩20分
飛行機利用：小松空港［空港バス］－金沢駅（50分）
七尾線・金沢駅－宇野気駅（25分）

展覧会と受賞のお知らせ

この度、ターナー色彩株式会社による「GOLDENCOMPETITION2009」におきまして、
３５歳以下の新人に贈られる「Ｕ－３５賞」を受賞いたしました。

「GOLDENCOMPETITION2009」入選作品展は、以下の日程で行われます。
２００９年１１月２０日（金）～２５（水）　Ｏ美術館（ＪＲ大崎駅徒歩５分）
http://www.turner.co.jp/GoldenConpetition/2009/exhibition.html

皆様お誘い合わせの上、ぜひお立ち寄りください。


また、来年には二つの個展を予定しております。

２０１０年１月３１日（日）～２月６日（土）　西田幾多郎記念哲学館（石川県かほく市）
２０１０年２月１５日（月）～２７日（土）　ギャラリーなつか（銀座）

こちらも合わせて宜しくお願いいたします。

岡田卓也

Ｂ５水彩画

《草花》　ＢＢケント、アクリル　Ｂ５　2009

新作

《花Noir0ハ》　パネル、綿布、アクリル　145×97cm　2008

ギャラリーなつか

時が経つのは早いもので、個展を終えてから一ヶ月が経過しました。
個展の資料もまとめていないまま、ずるずると過ごしてしまっています。
ご来場いただいた皆様、どうもありがとうございました。

ブログその他で展示の様子や展評をいただきましたので、リンクしておきます。

かほく通信
今回、地元石川県の「北國新聞」の取材を受けたのですが、さらに地元のかほく市出身者が運営する「関東かほく会」のHPに展示の様子がアップされています。写真・編集は越野勝彦氏。

ex-chamber museum
フリーライターの幕内政治氏による展評。
「堂々とした大作が中心の構成で、そこに描かれる紋のようなモチーフやさまざまな色彩のスプレッドなど、強烈な印象を与える要素がふんだんに盛り込まれていながら、そういったものが溢れる大きな画面に紛れ込むように女性の顔などがダイナミックに描き込まれていて、複雑な縮尺感が相当なインパクトを放っています。
白地に赤の明るい色調が全体を覆うなか、ところどころに描かれる鳥の緻密さが奇妙な違和感を醸し出していて印象的です。」

FLAT
美術家の秋本将人氏による展評。
「これまでの作品では、画面の立ちあらわれを、マスキングされた抑制的なフォルムやそれに反する筆のストロークから、「異質な運動の錯綜する場」として体験する感覚をもったが、今回はじめて目にする作品群では、そうした身体的な動作（目の操作も含め）との関係より、むしろ存在の意味やあり方に関わる「読み解き」という印象を強く受けた。いずれの体験も「語りなおす」ことには違いないのだが、その辿る言語が「違う」というべきか。」
「たとえばDMに掲載されていた作品「グRィmm」。狼と植物の頭部が描かれていて、暗示的なタイトルからもグロテスク装飾のファウナとフローラを連想させる。生き物を殺す「闇」と生命をあたえる色彩の「光」。また画家の制作（の「物語り」）にまつわる男根と女性器、燃え上がる血液と流れる精液。あるいはミネルヴァがおもわず目を背けた、「自然」の躍動。
さらに「語りなおすこと（メルヘン）」を「語りなおすこと（解剖）」の連関は、消しては描き重ねてゆくもうひとつの極、「パランプセプト」を思わせずにいない。「死を憶え」という作品のタイトルは中世の説教よりも早く「ヴァニタスのあるアトリエ」の絵を想像させる。表面にあらわされる表面（トロンプ・ルイユ）はそもそも人体解剖学的なモチーフの産物であり、皮剥ぎのテーマは「死」と「蘇り」、「切断」と「結合」の物語りである。」

特に秋元氏の展評は、谷川渥の『鏡と皮膚』を経由してジョルジュ・ディディ＝ユベルマン『ヴィーナスを開く』に至る明解な読みで、息を飲みました。
ちなみにex-chamber museumに、筑波大同期の高桑康二郎くん（GALLERY MoMo）と柳澤顕くん（GALLERY ZERO）の個展の展評があったのでリンク。
以上、掲載いただいた三氏に感謝いたします。

展覧会テーマ補遺

明後日３日（月）から、銀座ギャラリーなつかにて岡田卓也個展が開かれます。皆様ぜひチェックしてみてください。

さて今日は、今回の展覧会テーマについての補遺です。

「イメージのスピードとは、イメージの混交、その雑種性によって生じる階層のズレのことである。今回の展覧会では、解剖（anatomy）とメルヘン（Marchen）をテーマとして、落差を問題としました。意味の落差と階層の落差を重ね合わせた高速BPMミクスチャーペインティングをお楽しみください。」

今回の展覧会テーマは「落差」ですが、これについては昔から一貫してずっとやっていることです。例えば、レイヤーの操作（階層のズレ）は私の手法のなかでもっともポピュラーなものです。逆にそれしかないとも言える。しかし、それが上手くプレゼンテーションできていなかったという反省があります。今回具体的な図像、例えば狼や模様を入れたのも、これまでストロークで形成していたレイヤーＡ・レイヤーＢ・レイヤーＣという無機質な「落差」に、レイヤー狼・レイヤーストローク・レイヤー模様という手がかりを与えるためのものです。
まあ、こんなぶっちゃけたことを言ってしまうと絵の魅力半減なわけですが、それで終わらないところが絵の面白さであって、イメージの魅力というものでしょう。テーマ文冒頭の「イメージのスピード」という問題設定は、実は本ブログで一度書いたことのある問題です。ちょっと長いですが、抜粋。

「表参道ヒルズを抜け、ラフォーレ・ミュージアム原宿へ。ブライアン・イーノ≪77 Million Pictures≫は、複数のイメージをランダムに混交させ、雑種のイメージを創出するものである。文脈を超えて重ね合わされたイメージは、それなりの強度を備えていた。強度をスピードと置き換えてもいい。ブライアン・イーノはアンビエントの発明者として良く知られているが、アンビエントの大家よろしくイメージの移り変わりはゆっくりとしたものである。しかしそのイメージひとつひとつは、複数の階層を越えて交錯するスピード感に満ちている（この感覚はリヒターの≪Oil on photo≫に通じる）。
しかし、このイメージのスピードには留意が必要である。イメージのスピードは、イメージの混交、その雑種性によって生じる階層のズレのことである。イーノの≪77 Million Pictures≫は、階層のレベル差（落差）において一定の強度を確保しているが、残念ながらその重ね合わせの方法がランダム、つまりフィードバックがないばかりに、あまりにも「透明な」重ね合わせなのである。イメージのゼロ度、つまり階層のレベル差自体を表出しようとしたのは前述のリヒターだが、リヒター以後の絵画として≪77 Million Pictures≫はあまりにもリテラルに感じられた。」（2006-04-01）

ここで私は、ブライアン・イーノの≪77 Million Pictures≫を取り上げ、その重ね合わせがあまりにもリテラルで「透明」すぎることを批判している。イーノの≪77 Million Pictures≫が見せているのは、単なる二つの異なる水準の交錯であって、その高低差に特別な意味はない（その徹底的な意味のなさを露呈したのが、リヒターである）。「二つの異なる水準を設定しさえすれば、水は流れる。でもそれを安易にモノとモノとのシュールな（あるいはナンセンスな）出会いだと考えてしまうと、その高低差の設定に必然性が失われる。」（Fairytale/Diary）
では、その危険を私の作品は回避できているのか？二つの異なる水準、それが本当に「解剖」と「メルヘン」であるのならば、完全にドツボにハマってますね。はい、オワってます。ですがそこは冷静にリアリストの目で絵を見ていただきたい。レイヤー狼・レイヤーストローク・レイヤー模様のなかで、どれがあなたにとっての基底面になるかは分かりませんが、絵を見たとき、どれかが必ずあなたの基底面になるでしょう。しかしそれ以外のレイヤーというのは、あなたが目を留めたレイヤーに対して逃避的なはずです。どれかのレイヤーを基底とした瞬間に、その基底はズレざるを得ない。図像による目の痙攣・操作性・可塑性は、私の長年のテーマです。

実際にそれが成功しているかどうかはどうかは、どうか展覧会をご覧になって判断してください。皆様のご来場をお待ちしております。

岡田卓也展

OKADA Takuya Exhibition

展示会期｜2008年3月3日 [月]―8日[土]
開場時間｜11:30a.m.―6:30p.m.[最終日5:30p.m.]
会場｜ギャラリーなつか


イメージのスピードとは、イメージの混交、その雑種性によって生じる階層のズレのことである。今回の展覧会では、解剖（anatomy）とメルヘン（Marchen）をテーマとして、落差を問題としました。意味の落差と階層の落差を重ね合わせた高速BPMミクスチャーペインティングをお楽しみください。

ギャラリーなつかb.p

本日、無事会期を終了いたしました。
ご来場いただいた皆さま、どうもありがとうございました。

岡田卓也

インタヴューつづき

けれども光はその支持体を持ちませんが、絵画において絵の具は一枚のキャンバスの上に定着されていますね。絵画が物理的な構成物であることについてはどうお考えですか。

絵画が物質であるというのは、一般的なモダニズム解釈です。代表的な例がレオ・スタインバーグによる「フラットベット」という考え方ですが、フラットベットという考え方自体、作業場という行為を構成する空間であることに注意してください。必ずしも絵画が物理的な側面に還元されたわけではありません。コラージュにしても同様です。では絵画の物質性とは何か？もちろんドリッピングやコラージュにもそれ特有の物質性はありますが、それは必ずしもエナメルの光沢や古びた紙の質感を指しているわけではありません。絵画における物質性とは、見る側の意識に対する反作用としての抵抗感、ある種の「手ごたえ」だと思います。
今回の作品でいえば、私は水溶性の絵の具を使って描いていますが、水に固有の形のでき方というものがある。例えば同じ水溶性の絵の具でも、ウレタン成分が入っているかいないか、また水の溶き方の違いによっても、それらを融合させたときの形のでき方は明らかに変わってきます。たとえ絵の具自体に触れなくても、写真で見たときでも、その違いがはっきりと感じられる。それが絵画の物質性ではないかと思います。
この夏にニューヨークでポロックの作品を多く見ましたが、ポロックはペンキに墨汁、揮発性の油など、実に様々な画材でドリッピングしています。実際に目の当たりにしたときの質感の違いは強烈でしたが、画集で見てもその違いは明らかに感じられます。ドリッピングの輪郭を丹念にトレースしただけでも、絵の具の抵抗感は感じられるのではないでしょうか。これはドローイングの問題にも関係してくることです。

そうした考えは、前回の個展のテーマであるファンクション、「機能性」とも関係しますね。

その通りです。これまで私は、明度対比ではなく色相対比を作るだとか、筆触の差でレベルを作るだとか、そんな基礎的な訓練をしてきました。前回の個展では、それらをいかに総合するか、全面的な効果の表出ではなく、どのように生かし、どう連鎖させていくかを主題としました。そこには抽象表現主義がオールオーバーな効果の表出に終わってしまったこと、現在の抽象作家（加えてそれまでの自分）が制作方法や認識論に固執するあまり、分裂・分散的な作品しか作れていないことへの反省がありました。どう作ったか以上に、どのような見え方をするのか、どのような抵抗感があるのか。そしてそこに潜む問題は何なのか。まずは画面が指示する「手ごたえ」を手がかりに作品を作っていこうと思いました。その姿勢は今も変わっていません。

最後になりましたが、2000年以降の絵画は簡単に区分すると具象が中心のシーンでした。抽象絵画の可能性について、どうお考えですか。

私自身は抽象作家ですが、具象への関心は決して低くはありません。むしろ強い。なぜいわゆる具象の方が、ボキャブラリーが豊富であることが多いのかとよく考えます。完全に抽象的な形態の組み合わせから多様なボキャブラリーを引き出すことは至難の技です。確かにメディウムの特質から形態を引き出すという作業は重要ですが、メディウムの特質に注目するばかりに、制作システムからしか形式を引き出せないというのはあまりに貧困です。燃やしたり、削ったり、そのような制作システムの多様性をそのままボキャブラリーとしようとしたところに抽象表現主義が陥ったマンネリズムがあります。それだけではすぐに一面的な効果の表出に終始してしまいます。
ピーター・ドイグやローラ・オーウェンスのように、2000年以降に受け入れられた具象の多くがかつてのオップや抽象表現主義の成果を取り入れたものです。ではなぜオップや抽象表現主義それ自体では勝負できないのか？それは上記のように、それらがあまりにも一面的な効果の表出でしかないからです。何らかの対象から形式を引き出そうとする方が、メディウムを酷使することでその限界に直面し、結果として新たなボキャブラリーを生み出すことができます。私は決して何かを再現しているという意味での「具象」は描いていませんが、いかなる絵画にせよ、対象性（あるいは「主題」と言うべきでしょうか）は必ず必要になると考えています。見る側が得る抵抗感とは、メディウムの扱いに介在する対象性の徴候なのだと思います。

（2006.10.10 千歳船橋アトリエにて収録）